回顧一周藝術人物：新加坡藝術家、電影人及策展人何子彥（Ho Tzu Nyen）將任第16屆光州雙年展藝術總監；日本酷兒行為藝術家荒川-納什醫（Ei Arakawa-Nash）將代表日本參加2026年威尼斯雙年展；導演陳意心在上海徐家匯書院講述黑膠音樂與影像里的五原路往事，韓國雕塑家金于填（Kim Woojin）中國首次個展《萬物皆相連嗎？》亮相寶龍美術館，孫蠻個展“時間.X.顏色”在上海本有藝術空間對外展出。

韓國｜藝術家、電影人及策展人何子彥

擔任2026年光州雙年展藝術總監

近日，光州雙年展主辦方宣布任命新加坡藝術家、電影人及策展人何子彥（Ho Tzu Nyen）為第16屆光州雙年展藝術總監，展覽將于2026年9月開幕。光州雙年展基金會表示，何子彥因其“以藝術的變革力量為核心的策展提案”獲選，并指出“他的策展方法旨在激發全球不確定時代急需的驅動力，有望為光州雙年展開辟新的方向”。

何子彥

何子彥1976年出生于新加坡，其創作實踐涵蓋電影、影像裝置和表演藝術，關注的主題包括神話、身份與歷史，尤其聚焦于南亞地區的文化與歷史敘述。他的代表作之一是2009年的電影《HERE》，講述一個人在精神機構接受實驗性“影像療法”，靈感來源于法國思想家費利克斯·瓜塔里的理論。另一件重要作品是自2012年起持續至今的《東南亞批判性詞典》（The Critical Dictionary of Southeast Asia），聚焦東南亞地區的當代歷史敘事。作為藝術家，何子彥曾代表新加坡參加2011年威尼斯雙年展，并先后參與2014年上海雙年展、2019年愛知三年展及2019年沙迦雙年展。他曾在2018年光州雙年展中參展，并為2021年光州雙年展創作了委任作品。策展方面，他曾于2019年共同策劃臺灣亞洲藝術雙年展。

何子彥作品《一只或幾只老虎》(2017) ，“晝夜狂歡2018”裝置現場，新加坡國家美術館，圖像版權歸新加坡國家美術館和藝術家所有

何子彥在聲明中寫道：“能以藝術總監的身份回到光州，對我來說是夢想成真，也將是一次在這座非凡城市中展開的獨特旅程。本屆展覽將匯聚那些在過去二十年里啟發和推動我前行的能量、命題、實踐與思想。這將是一次探索藝術變革如何與光州民主變革遺產產生共鳴的機會。這屆雙年展不會傳遞單一的信息，而是試圖創造我們所有人共同分享與塑造的變革命題。”（綜合）

日本｜酷兒行為藝術家荒川-納什醫（Ei Arakawa-Nash）

代表日本參加2026年威尼斯雙年展

日本國際交流基金會（The Japan Foundation）宣布，現居洛杉磯的酷兒行為藝術家荒川-納什醫（Ei Arakawa-Nash）將代表日本參加第六十一屆威尼斯雙年展，展覽將于2026年5月9日至11月22日舉行。荒川-納什醫與丈夫共同養育著一對新生雙胞胎，他計劃為雙年展創作一件探討民族主義與父權制主題的裝置作品。作品將從他作為酷兒父親的角度出發，并以市川昆1962年的電影《我兩歲》（Being Two Isn’t Easy）為創作參照。

荒川-納什醫和他的雙胞胎  圖片：Ricardo Nagaoka.

荒川-納什醫1977年出生于日本福島，自1998年至2019年在紐約生活和工作，后搬至洛杉磯，目前是加州帕薩迪納藝術中心設計學院（ArtCenter College of Design）研究生藝術項目教授。自2000年代初以來，他致力于推動行為藝術在國際范圍內的發展，其創作常常打破觀眾與表演者之間的界限，挑戰主觀“自我”的穩定性，作品往往呈現即興狀態，并常與他人協作完成。

他的藝術靈感來源包括具體派（Gutai）、東京激浪派（Tokyo Fluxus）、偶發藝術（Happenings）、賈德森舞蹈劇場（Judson Dance Theater）及維也納行動主義（Viennese Actionism）。他的參與式裝置作品《請超級隨意作畫》（Mega Please Draw Freely）于2021年在倫敦泰特現代美術館渦輪大廳展出，并將于今年7月起在慕尼黑藝術之家（Haus der Kunst）展出六個月。他的個展包括：2024年在東京國立新美術館的“繪畫是流行巨星”（Paintings Are Popstars），2023年瑞士弗里堡美術館（Kunsthalle Friart Fribourg）的“不要放棄”（Don’t Give Up），以及2021年在紐約藝術家空間（Artists Space）的“社會肌肉康復”（Social Muscle Rehab）。他還曾參與2019年檀香山雙年展、2017年明斯特雕塑展、2016年柏林雙年展，以及2014年光州與惠特尼雙年展。（宗合）

日本｜藝術家王點（LEOW）

《Future Weave》亮相2025大阪世博：以光織未來 

近日開幕的EXPO 2025 Osaka Kansai Japan大展中，中國藝術家LEOW（王點）受邀在主場館「Shining Hat」進行為期六個月的沉浸式光雕展映。

王點

據悉，EXPO 2025以“為我們的生活設計未來社會（Designing Future Society for Our Lives）”為主題，吸引了150多個國家和國際組織參與，致力于全球文化與科技創新的對話與共創。

《Future Weave》作為本屆世博會投影映射展映計劃的重要作品之一，由LEOW帶領DDD STUDIO團隊共同完成。作品通過光作為媒介，以節奏與空間律動為線索，構建出多維、復雜、開放的光影敘事系統，呈現科技與人文融合的未來社會想象。在創作過程中，LEOW堅持以原創音樂為起點，強調聲音與視覺結構的聯動，讓作品如生命體般生長，使光影不僅覆蓋建筑表面，更融入建筑感知之中。

《Future Weave》

為實現《Future Weave》的整體構想，LEOW邀請了來自中國的三位創作者協同合作：三維視覺與空間敘事專家李季，生物生成與有機視覺系統創作者劉惠文，色彩流動與生成美學設計師郭曉彤。他們在空間建構、生態生長與色彩交互等領域展開協作，共同編織出立體、細膩而富有未來感的光影織圖。（整理/高丹）

上海｜藝術家殷漪

對城市聲音的觀察

近日，展覽“殷漪：我聽到了”在上海余德耀美術館舉辦，呈現藝術家殷漪自2014年至2025年間的創作，包括從音樂跨界至當代藝術領域后創作的8件聲音藝術作品，涵蓋聲音、影像、裝置、表演及聽覺劇場等形式。

殷漪

殷漪，1978年生于上海，曾活躍于諸多音樂創作領域，后轉向聲音藝術實踐。他從藝術家、策展人與高校教師等不同身份出發，持續觀察和探索聲音在社會結構中的功能。

殷漪的創作以“公共空間中的身體性”與“身體性中的公共意識”為線索，揭示其對都市聲音的觀察。通過不斷記錄街道、馬路、地鐵、公園等不同的城市聲景以及都市聲音，呈現公共空間文化和社會屬性之間存在的聯系。

展覽現場

而上海作為殷漪的出生地與生活空間，也構成了殷漪創作的語境和情感基底。他作品中的聲學素材根植于上海的城市肌理，使聽者得以通過聽覺重返時空。

展覽現場

如以上海為創作地或語境的作品中，《20140901-20140930》（2014年）、《一次上海的旅程》（2017/2025年）、《向西》（2019年）、《上海》（2021年）等等，他將自我意識投射至具體的實踐與思考中。其作品成為個體與上海這座城市對話的載體。（整理/陸林漢）

上海｜導演陳意心

黑膠音樂與影像里的五原路往事

5月5日下午，上海徐匯區圖書館、徐家匯書院舉辦了“YUE讀五原路”系列活動的最后一場文化對談講座，由導演、音樂人陳意心與資深媒體人周力以及到場的友鄰們分享五原路上的人與事，到場的嘉賓集海上文化、藝術、影視于一堂，共同回眸通向記憶深處的弄堂和亭子間的點滴。

五原路，東起常熟路，西至武康路，全長820米，是上海少有的不通公交的馬路，混雜著老式花園洋房、新式里弄和高層住宅，也是《愛情神話》中老白和老烏的家、小皮匠的修鞋鋪等多個電影場景的取景地

五原路

在梧桐掩映的紅瓦粉墻間，這片街區曾聚居著文人墨客、藝術家與學者，他們的步履與思想曾為這條小路鍍上人文的柔光，如今依然有新一代的青年們共同以各自擅長的方式延續書寫著屬于這條馬路的鮮活注腳。

“YUE讀五原路”系列活動舉辦的起因是陳意心最近制作發表的《五原路二十周年紀念版》黑膠音樂唱片，里面有一首2004年就寫給梧桐區各條小馬路的歌曲《五原路》，算是真正意義上第一首有關上海的citywalk之歌。當時陳意心走回自己生活過的小馬路上，不經意間哼出了一段旋律，并填上一連串上海話的路名，“五原路，永福路，復興路，武康路，安福路，常熟路，淮海路……”歌曲最后不斷循環往復的“五原路”，讓這首歌變成了一首鄉愁之歌。2014年，他又制作了《五原路》十周年的音樂藝術電影。又是一個十年之后，在這張二十周年紀念黑膠唱片和系列音樂電影里，用音符與影像與師友們重溫 “陽光透過梧桐葉灑在地上斑斑點點”的愜意時光。

“YUE讀五原路”系列活動現場 

這次“YUE讀五原路”系列活動的前兩場，一場是在膠集文化藝術空間舉辦的黑膠音樂與影像賞析會，嘉賓包括出生在五原路的漫畫家張樂平之子張慰軍，與把家安在五原路附近的著名媒體人甘鵬。另一場是陳意心和嘉賓畸筆叟、錢小昆帶領大家從五原路出發，漫步梧桐區。

上海｜藝術家孫蠻

畫作中呈現未知與無限可能的“X世界”

5月5日，“時間.X.顏色——孫蠻個展”在上海本有藝術空間（張衡路1077號ATLATL創新研發中心一樓）對外展出。

孫蠻，西安美術學院油畫系教授、博士，西安美院具象表現繪畫藝術研究中心副主任，研究生導師。展覽學術主持、浙江大學教授孫周興認為，孫蠻的繪畫語言以“具象表現”為基本特征，但又始終游離于既定范式之外。她所追求的“既具象又表現”的圖像狀態，往往更接近一種“既非具象也非表現”的中間地帶。

孫蠻

孫蠻早期作品《抒情時代》（1997）在對遠方的激情想象中，以人物疏離的神情傳遞出一種超現實的真實感。進入21世紀，“清青之光”系列中出現大量白色斑點與色塊，它們在沉穩厚重的顏料基底中跳躍、流動，喚起光的敞開與澄明，使“光”隨物賦形、獲得“性狀”。近年的創作進一步趨于抽象化與精神化。人物形象逐漸被模糊化或消解，與自然景觀融為一體（如《子午峪?紅色》《桃花》），懸浮于幻想空間之中（如《桃花?紅與金》），或處于現實與虛構之間的“界限”地帶（如《夢的界限》）。藝術家將這種模糊游離、類型未定的狀態稱為“非格類”，意即超越現有藝術分類的語言策略。在學術主持孫周興看來，“非格類”不僅是一種圖像語言的實驗，更是一種強調個體生命經驗回歸的哲學立場，是一種“生命哲學意義上的藝術理想”。

展出現場

展出現場

此次展覽的主題“時間.X.顏色”以“X”作為關鍵詞，既象征孫蠻筆下那個充滿未知與無限可能的“X世界”，也隱喻時間與顏色在藝術維度中的交叉、重疊與生成。“X”構成了理性與感性、經驗與記憶、感知與想象的交匯點。展覽由中國美術學院視覺中國協同創新中心、中國美術學院文化創新與視覺傳播研究院、西安美術學院具象表現藝術研究中心、同濟大學人文學院以及ATLATL飛鏢創新中心聯合主辦。

上海｜學者尚輝

美育課堂解碼中國畫里的城市美學

浦江兩岸，古典與現代的建筑交相輝映，中國畫如何用筆墨描繪上海的立體節奏與視覺張力？

尚輝

“五一”假期期間，由中華藝術宮（上海美術館）、中國銀行上海市分行共同主辦的“大美術館計劃”之美育講堂——“中華藝術大家說”第一季第四講，在中華藝術宮啟幕。中國美術家協會美術理論委員會主任、中國評論家協會理事、上海大學美術學院特聘教授、博導尚輝以《國畫里的黃浦江畔——筆墨現代性的城市地標探索》為主題展開演講。

“中國傳統山水畫為何不能稱為‘風景畫’？”講座現場，尚輝向觀眾拋出了這樣一個問題。名稱之別，意味著中西之間藝術理念與價值觀的巨大差別，也表現為截然不同的觀看方式。當下中國城鎮快速發展所形成的都市景觀，理應成為當代中國畫表達現實感受的聚焦點。而如何將視覺經驗轉化為筆墨程式，既是當天“中華藝術大家說”熱烈探討的話題，也是這個時代亟待突破的課題。

講座現場

尚輝表示，“中國畫的現代性探索，是機器或數字復制時代形成的視覺性表征的映射，對筆墨是什么的再次追問，凸顯了城市視覺化消費對傳統筆與墨關系的重建，它雖傳承或借用了傳統山水畫或花鳥畫的某些筆墨皴法，但不論巖石建筑還是玻璃與鋼的建筑，筆與墨在描述或表現這些建筑時，以便創生出新的筆墨類型。”

上海｜韓國雕塑家金于填（Kim Woojin）

中國首次個展《萬物皆相連嗎？》

韓國雕塑家金于填（Kim Woojin）個展《萬物皆相連嗎？》于4月27日至6月8日在上海寶龍美術館展出。

展覽以“萬物皆相連嗎？”之問，反思我們習以為常的世界結構如何被社會建構，以及其中流動而復雜的關聯網絡。金于填的作品通過動物形象顛覆人類中心主義秩序，以造型語言探索多物種共生的可能性。展覽中，馬、鹿、兔、貓、鶴、狗等棲息環境與生態習性各異的動物在同一空間和諧共處。這種共生的景象超越了形象的簡單并置，邀請觀者想象在等級與角色被解構后，生命體如何建立新型生態關系

韓國雕塑家金于填（Kim Woojin）

金于填（Kim Woojin）1987年出生于韓國，以雕塑突破人類中心思維邊界，其作品中的動物掙脫人類賦予的符號化角色，以與環境共生的姿態重生，展開恢復生命聯結與生態感知的造型實驗。作為韓國最具公眾影響力的雕塑家之一，他不僅在美術館體制內創作，更通過公共藝術項目、品牌合作、商業空間裝置等多層次實踐拓展雕塑語言。

 展覽現場 

在展覽中，金于填通過造型語言思辨當代世界，追問我們如何重新聯結與共生。這不僅是造型實驗，更在生態轉型時代提出向非人類生命學習的新感知，以藝術重塑生命的覺知與共存方式。此次展覽的策展人為趙慧玎（Cho Hyejung），她自韓國國民大學雕塑系畢業后，先后于中央美術學院研修美術史、清華大學獲藝術學博士學位，游走于學界與現場，在中韓兩國展開多元實踐。（整理/黃松）