回顧一周藝術人物：藝術家索瑪雅·克里奇洛的個展在倫敦杜爾維治美術館展出，其作品與美術館藏的經典畫作并置呈現；在保加利亞的冰封紀念碑前，中國藝術家鄭靖帶來了一場名為“牧光計劃”的光影展演；在北京，王東聲舉辦了其書法個展及新書發布會，分享其書寫與表達；在上海嘉定，藝術家季平的個展“漫園季”展現其筆下的園林景致；日本藝術家安永正臣在里森畫廊的個展呈現了一系列極具實驗性與表現力的全新器皿雕塑，而藝術家徐赫的個展“我謝謝你”則探討了多元文化。

倫敦｜藝術家索瑪雅·克里奇洛

與古典大師作品并置展出

索瑪雅·克里奇洛

在倫敦的杜爾維治美術館（ Dulwich Picture Gallery），年輕畫家索瑪雅·克里奇洛 (Somaya Critchlow) 的個展正在館內展出。值得一提的是，她的作品正在與該館館藏的魯本斯、凡·戴克和委拉斯開茲等大師作品并置展出。

索瑪雅·克里奇洛 (Somaya Critchlow)，英國藝術家，現年31歲。現代主義成為藝術表現的主導形式后所發生的轉變并未引起她的共鳴，她更喜歡古老的畫作。具體來說，她熱愛文藝復興時期的畫作。這也許就是杜爾維治美術館成為其首次亮相的理想場所。該美術館以收藏 600多幅古代大師的畫作而聞名。索瑪雅·克里奇洛的個展“密室”是該館“解鎖繪畫”計劃的一部分，該計劃是將當代畫家與館藏作品進行對話。策展人露西·韋斯特 (Lucy West) 表示：“索瑪雅具備許多完美條件。她在美術館附近長大，小時候經常來這里。此外，她對古代大師的作品有著無盡的迷戀。”

索瑪雅·克里奇洛的作品與古典大師作品并置展出

在此次展覽中，由六幅委托創作的畫作，全部是裸體黑人女性，這也是克里奇洛的標志性主題。克里奇洛說，她對將房間作為私人房間但同時也是公共空間的想法很著迷。展覽標題“密室”取自安吉拉·卡特 1979 年出版的短篇小說集《血腥房間》。在這一故事中，一位年輕的鋼琴家嫁給了一位貴族，后來發現了他收藏的虐待狂色情作品和一個包含他前三任妻子尸體的酷刑室。藝術家對作家用故事來探索“有自主權的女性”的想法著迷。

她的作品也受到沃爾特·西克特于1910年寫的論文《裸與裸體》的影響，將這兩種狀態區分開來——前者是藝術歷史的比喻，而后者是人體的親密表達。此外，她也受到了彼得·保羅·魯本斯和格里特·杜作品中宗教故事和神話的影響。現在，這些作品與她的作品一起在展覽中展出。在委托創作中，她研究了美術館收藏的畫作，并對戈雅的調色板、提香的調色板、委拉斯開茲的調色板進行了研究。這些畫作有一種黑色幽默和荒誕的特質，有時，畫中的女性看起來既美麗又可怕。當然，她的作品中也有色情的意味，畫中的人物以誘人的姿勢出現，迷人的目光則是受到20世紀60年代和70年代黑人色情雜志的啟發。

索瑪雅·克里奇洛作品

克里奇洛的畫作似乎是將私人的東西公開化，并反抗純潔的觀念，探索關于身體的黑暗好奇心。她說，“帶著盡可能多的欲望和好奇心。有時候，為了理解某件事，你幾乎需要去到禁區。”展覽“密室”將持續至7月20日。（編譯/陸林漢）

保加利亞｜藝術家鄭靖

在冰封紀念碑前的光影展演

藝術家鄭靖

近日，中國藝術家鄭靖在保加利亞冰峰紀念碑（BuzludzhaMonument）的蒼茫雪域中開啟其“牧光計劃”的新篇章：“人類烏托邦”系列。這是鄭靖繼2022年的“牧光計劃·敦煌”和2023年的“牧光計劃·零丁洋”后，第三次以光為媒介、以游牧為方式，在全球不同人文自然空間進行實時的藝術創作。

這座始建于二十世紀的歷史建筑，矗立在巴爾干山脈的懷抱中。在冰冷的寒夜里，鄭靖與這座歷史遺跡展開了一場跨越時空的對話。冰峰紀念碑現場白雪皚皚，銀輝瀉地，藝術家利用冰峰紀念碑獨特的建筑結構，讓光影與穹頂和墻壁交織，使得建筑本身的破敗與光影的靈動形成對比。在展演現場，伴隨著音樂家Nikola Markovski演奏的保加利亞民謠，蓋達琴的音符在寒風中飄蕩，訴說著這里曾經的理想與失落，也指向人類的生活想象與愿景。

光影展演現場

鄭靖，中國美術學院教授，博士生導師，致力于以藝術與科技相融合的多感官體驗拓展空間藝術的表現語言，推動了以“空間詩學”為特征的社會型藝術創作。近年來，他策劃了烏鎮戲劇節·公共空間藝術展演計劃、秦淮河國際光影藝術展、蘇州拙政園多媒體空間展演、阿那亞戲劇節·候鳥300、千島湖國際光影藝術雙年展等公共藝術項目。

自2022年開始，鄭靖啟動個人藝術項目“牧光計劃”。他首先在敦煌地區行進勘察，創造了結合光影媒介與游牧方式進行實時創作的公共空間藝術計劃。2023年，“牧光計劃·零丁洋”在海域空間實現第二期創作。而此次“人類烏托邦”系列則以游牧方式，在多地創作。在保加利亞后的創作之后，鄭靖將攜團隊前往克羅地亞，在莫斯拉維納紀念碑（Moslavina Monument）進行創作與展覽。（整理/陸林漢）

上海｜藝術家季平

“漫園季”在嘉定明徹山房展出

季平（左）與策展人尹驥陽（右）在展覽現場

近日，“漫園季”——季平當代水墨園林展在地處上海嘉定的明徹山房展出。該展覽由青年藝術評論家和策展人尹驥陽策展。

生于1956年的藝術家季平是上海中國畫院畫師，早期作品多聚焦于都市人物和城市風景，反映城市化進程中普通人的生活狀態和精神面貌。他通過描繪城市景觀和城市景觀中不同世代的人物群像，展現了獨特的藝術洞察力。近年來，季平逐漸轉向現代花鳥畫創作。他以擬人的手法賦予鳥兒人的形象，探討人與自然、鳥與人的關系，展現了他對生命的哲思。策展人尹驥陽認為，季平的園林繪畫是一場“色彩與線條的交響”。其作品中的色彩時而濃烈如爆炸，時而淡逸至近乎消隱，卻總能達成“交響樂章般的平衡”。

展覽現場

展覽的學術主持張立行認為，畫家筆下的園林并非對實景的摹寫，而是通過“消解實在性”的符號化嘗試，表達對“人與自然”“精神家園”的形而上思考。展覽顧問尹昊則特別提藝術家的“反格式化”創作態度，在園林題材中，形成中西合璧的視覺語言。這種實驗性探索，既是對陳從周“詩情畫意”造園理論的致敬，也是對“眼中有園、心中無園、筆下再生園”藝術理念的實踐。 （宗禾）

北京｜藝術家王東聲

分享書寫與表達

王東聲

2月21日，王東聲書法品鑒展暨《王東聲：書寫與表達》新書分享會在北京市通州區宋莊鎮小堡西街152號南門展出。

王東聲，中國國家畫院研究員，博士生導師，京華印社副社長兼秘書長， 中國美術家協會會員，中國書法家協會會員。他從事藝術創作、教學和視覺文化研究，近年多涉及水墨藝術、書畫印比較、陶瓷印藝術及當代審美研究。

王東聲骨子里又總透著一種溫和包容的文人風度，但對于藝術，無論畫、書法或者篆刻，他卻總有一種不破不立之感。他不反對傳統，而是反對因循守舊、墨守陳規，反對呆在舒適區里的自我消磨。

王東聲書法作品

他用毛筆寫新詩，抄寫中外現代詩歌，其中有一篇節選艾略特的《荒原》。字的形態也脫離了所謂中鋒側鋒的規矩，書寫方式也不再是先上后下、從右而左的傳統模式，而是現代文字的自左往右的橫式書寫，就自由的、任運的書寫。他也寫古體詩，其中一篇張伯端的《性地頌》，平和中正，安靜祥和，通篇清爽干凈，讓人有如沐春風之感。如同《性地頌》所言：“佛性非同異，千燈共一光。” 只管去寫，去共情，去感知，任何的形式都是情緒的表達，都可以拿來推進新的潮流。（宗禾）

上海｜日本藝術家安永正臣

以陶土演繹“腳踏大地”

安永正臣在工作室

2月22日，日本雕塑家安永正臣 (Masaomi Yasunaga) 在里森畫廊的中國空間推出中國大陸首次個展。此次展覽呈現的作品包含一系列極具實驗性與表現力的全新器皿雕塑，及由手工馬賽克勾勒出精密圖像的近期平板狀系列。通過突破性的創作手法，安永正臣審視了陶器創作的技術傳統，及器皿在數千年人類文化發展中的角色，并彰顯這一媒介全新的表現潛力。

安永正臣出生于1982年，現于日本三重縣伊賀市生活和工作。他曾在大阪產業大學學習環境設計，并獲得碩士學位。他師承星野曉 (Satoru Hoshino)，后者是日本先鋒陶瓷流派“走泥社”的成員之一。作為一場活躍于1940至1990年代的戰后藝術運動，走泥社的宗旨是對陶瓷材料既定的功能產生質疑和反思，開創全新的雕塑哲學理念。

安永正臣，《容器骨架》（細節圖），2024，釉料、化妝土、陶土、高嶺土，圖片由里森畫廊提供

此次展覽的主題啟發自由鵝卵石鋪就的道路表面，它們往往由日積月累的行人腳步所塑造而成。圍繞“踏足大地”的概念，安永意在通過展出的作品探討人類的行為與活動如何留下持久的痕跡和記憶。為了強調展覽的概念，展廳地面鋪設了一種能夠體現參觀者足跡的地毯。隨著觀眾在展覽空間內移動，地面上的有機材料會逐漸累積腳印，形成一道持續變化的軌跡，暗喻時間流逝與人事無常。這一展陳方式引領觀眾體驗安永的實踐理念、對材料的探索，以及他處在時間、身體與物體之交匯點的獨特創作手法。

安永正臣個展“腳踏大地”現場圖

展覽中的馬賽克新作系列致敬了遠古時代和遙遠地域的藝術風格，并延續了藝術家對古老與前沿技藝的探索。這些平板狀作品上的像素化圖像，呈現出以不同方式排列的器皿，將多見于安永三維作品且質感原始粗糲的容器象征拓展到平面的維度中。對于材料性和時間性的一系列探索，讓作品呈現層次豐富的表面，反映了受控與隨機之間的張力；燒制而成的復雜肌理與形態，來自由自然力量有機塑造的，也歸因于安永對釉料獨具一格的運用方式。展覽將持續至4月19日。（文/黃松）

上海｜藝術家徐赫

個展“我謝謝你”，探討多元文化

2月22日，徐赫個展“我謝謝你”于香格納畫廊上海M50空間開幕。展覽名“我謝謝你”，在德語中是一種莊重的致謝表達，在中文語境下則隱含了更為微妙的情感層次，借由復雜的語義強調在藝術實踐與現實觀察中客觀存在的沖突與彌合，集中展現徐赫對多元文化的內化、形式與內容、個體與時代、歷史與未來之間復雜關系的深刻思考。

徐赫個展“我謝謝你”開幕對談。左：戴卓群（評論家、策展人），中：徐赫（藝術家）
主持：歐祖琴（香格納畫廊高級總監）

徐赫，現生活、工作于北京與柏林。先后畢業于中央民族大學和德國卡塞爾藝術學院，深受中國傳統美學中“氣韻”觀與德國新表現主義的批判性視角的多重影響。

作為一位擁有中國與德國雙重學習與生活背景的藝術家，其創作的抽象混沌的形象在多元文化線索中內化達成平衡，塑造出鮮明的個人藝術語言。同時，成長的時代背景賦予他深刻的憂患意識并貫穿于他的創作之中。

“徐赫：我謝謝你”展覽現場

徐赫的作品以幾何式的抽象怪誕形象為核心，融合尖銳、凌厲的表現性結構與透逸流轉式的寫意筆墨，使畫面在剛柔沖突間達到獨特的平衡。他的創作既非對西方藝術史的復刻，亦非對傳統的懷舊回歸，而是嘗試拉開超越二元文化現象式的圖像語言的距離，以批判性視角回溯歷史并創造未來性的聯想圖像。

“徐赫：我謝謝你”展覽現場

展覽開幕當日，評論家戴卓群與徐赫圍繞新展核心線索、創作脈絡演變及特定場域平面裝置展開對談。對談以“我謝謝你”以歧義性問候為切口，穿透日常經驗與集體情境中的隱秘關聯。并涉及作品中對“我”對“你”的觀察與轉化，在主體與客體間構建批判性認知的審思空間，重塑現實語境的思辨距離。（文/黃松）