回顧一周藝術人物，英國國寶級藝術家大衛·霍克尼以作品對話早期文藝復興時期畫家皮耶羅·德拉·弗朗切斯卡。以慶祝英國國家美術館成立200周年，凸顯出美術館將藝術帶給英國及國際觀眾的歷史性和持續性意義。

在上海，加納藝術家艾爾·阿納祖“紅月背后”繼在泰晤士河畔的倫敦泰特現代美術館渦輪大廳落幕后，昨天來到黃浦江畔的浦東美術館；周嘯虎在碧云美術館帶來“顏料地理學”研究；汪一舟和潘微以當代藝術表現對東方文化的思考。在青島，知名雕塑藝術家隋建國在家鄉回顧50年藝術生涯。

倫敦｜藝術家大衛·霍克尼

對話文藝復興畫家皮耶羅

為慶祝英國國家美術館成立200周年，《霍克尼與皮耶羅：更長時間的凝視》將其館藏中最古老的畫作之一與英國最著名的在世藝術家之一的作品并置展出——皮耶羅·德拉·弗朗切斯卡（Piero della Francesca）的《基督受洗》（約1437-1445年）的左右兩側分別陳列著大衛·霍克尼1977年創作的《我的父母》和《看屏風上的圖片》，形成了三聯畫的形式。這種藝術家的配對不僅突顯了美術館將藝術帶給英國及國際觀眾的歷史性和持續性意義，還展示了其作為當代藝術家資源的重要作用，強調了它在當代藝術中的核心地位。

《霍克尼與皮耶羅：更長時間的凝視》展覽現場，左為皮耶羅·德拉·弗朗切斯卡（的《基督受洗》（約1437-1445年；右為大衛·霍克尼1977年創作的《我的父母》。

在展覽前言中，館長加布里埃爾·費納爾迪引用了霍克尼對館藏的長期熱愛和利用，稱這是此次展覽的靈感來源，并鼓勵人們來美術館進行“更長時間的凝視”。

作為早期文藝復興時期畫家，皮耶羅雖然在單點透視法的創新上有所探索，但相比運用透視技巧相對成熟的拉斐爾、達芬奇等大名鼎鼎的藝術家，他的宗教畫作對大眾想象力的影響似乎要小得多。然而，通過此次展覽的對比，顯示了藝術史是一個不斷發展的影響鏈條?；艨四岵粌H在兩幅作品中直接借鑒了皮耶羅的《基督受洗》，還將其以復制品的形式嵌入場景中的墻上。同時，他強調了把明信片和照片作為學習工具的重要性。

大衛·霍克尼作品《看屏風上的圖片》

主策展人蘇珊娜·艾弗里-奎什在講座中指出，這三幅畫作被掛在同一水平線上，強調了透視法的平行關系。確實，霍克尼對空間的處理呼應了皮耶羅的表現：簡單的室內物品（如屏幕、椅子或傾斜的鏡柜）在構圖上起到了類似的結構功能，營造出景深的幻覺。同樣，皮耶羅在人物表現中使用了不透明蛋彩畫，帶來了平面、線性效果，而霍克尼在表面造型上的處理也與此相呼應，這與后期文藝復興藝術中占主導地位的油畫技法——暈涂法（sfumato）形成鮮明對比。展覽將持續至10月27日。（黃松/編譯）

青島｜雕塑家隋建國

跬步與徘徊，在家鄉青島回顧50年藝術生涯

 9月28日，知名雕塑藝術家隋建國50年大型回顧展“跬步與徘徊：隋建國 1974-2024”在青島西海美術館開幕。

藝術家隋建國在展覽現場

隋建國，1956年生于山東青島，1984年畢業于山東藝術學院美術系，獲得學士學位，1989年畢業于中央美術學院雕塑系，獲得碩士學位?，F居住和工作在北京，為中央美術學院資深教授。隋建國在自己四十多年的藝術實踐中對創作觀念、作品形式、媒介選擇、時空經驗等多個方面都有深度理解和認識。

據悉，此次展覽是隋建國五十年藝術生涯的回顧，梳理、呈現藝術家創作的延續與轉折、藝術線索的演進和突變、方法與思想的砥礪與淬煉之外，亦展現其自1974年以來的手稿、日記、草圖、雕塑小稿等。

隋建國的早期作品大多色調深沉、質地粗糲、體量巨大，給人以沉重之感，仿佛藝術家試圖以此來回應歷史的沉重，并將自己的內心狀態注入雕塑形式中，成就了一種獨特而真實的藝術身份。

在1號展廳，兩件大型裝置分立展覽入口和出口處附近，一為序曲，一為尾聲，于呼應中揭示出時間的洪荒之力。這一幕亦是藝術家使命的比喻：以易朽之軀與時間對話，于瞬時中探問永恒。

而在3號展廳，里面的所有作品全部來自“中國制造”。它們所體現出的不僅是藝術家對中國作為世界工廠的批判性思考，也是在多元的文化背景下對于當代創作者角色的內在反思。這一系列的最后一件作品創作于2008年，位于西海美術館出口處的戶外空間：一個切割出“中國制造”字樣的紅色集裝箱，與遠處的大海遙相呼應。

“跬步與徘徊：隋建國 1974-2024” 2號展廳“生命激情1987-1996”展覽現場

之后的4號展廳的作品通過時基媒介（如錄像）來展示雕塑與時間的關系。展廳中央的多屏幕裝置《大提速》探討了多重的時間性：它呈現了列車實際運行的速度，也喻示著中國飛速發展的大背景。而在《盲人肖像》的序列中，他蒙上眼睛捏制小型泥團，持續了一年之久。這一試驗的目的是盡可能從雕塑家的技術能力、手感記憶和以造型為導向的創作習慣中解放出來，尋找一條新路，借助偶發和即興，探尋人類與自然界（泥土）之間的原初關聯。

“跬步與徘徊：隋建國 1974-2024” 懸廳“具身之力 - 2008年至今”展覽現場

在展廳上方，懸浮著高達十二米的立方體支架結構，內中匯集了五十件冷灰色雕塑，共同構成《云山》（2024）。這些雕塑單體由光敏樹脂制作，表面密布藝術家的掌紋；它們的原型是藝術家日常摸索中的泥團，經過精確掃描放大3D打印而成，意在傳達一種數字化的“云”的觀念。這個虛擬的云，也和藝術家在五十年前追摩石濤《云山》的精神呼應。石濤在畫作上題了陶潛的詩句“遙遙望白云，懷古一何深?！?/p>

新作系列《壺與鏡》集中討論了雕塑與世界、實在與“虛空”的關系，它集中了藝術家過去十年來對于雕塑本體的領悟和探索。這里展出的作品構成了本次回顧展的尾聲，觀眾由此可了解隋建國近期的創作理念，以及藝術與文化的傳統在其中扮演的角色。展覽將展至2025年2月28日。（整理/陸林漢）

上海｜加納藝術家艾爾·阿納祖

泰特項目“紅月背后”開啟首次全球巡展

2024年9月30日，浦東美術館與泰特美術館的最新合作項目“艾爾·阿納祖：紅月之后”在浦東美術館正式開啟首次全球巡展。這件由加納藝術家艾爾·阿納祖所創作的宏偉裝置分三幕呈現。

“艾爾·阿納祖：紅月之后”展覽現場，??浦東美術館，2024，攝影：Alessandro Wang

傾瀉而下的金屬懸掛物不僅重塑了浦東美術館中央展廳，同時也首次運用了入口的大廳空間。本次展覽最初為倫敦泰特現代美術館2023至2024年的“現代委托”項目構思并創作，名為“艾爾·阿納祖：紅月背后”。

作為當今最有影響力的藝術家之一，艾爾·阿納祖曾在2015年第56屆威尼斯雙年展上榮獲終身成就金獅獎?！鞍瑺枴ぐ⒓{祖：紅月之后”是浦東美術館自開館以來所舉辦的規模最大的裝置展。整個裝置由數以萬計的被重新利用的瓶蓋和金屬碎片構成。它們經過手工揉捏、碾壓，并用銅線巧妙串聯，形成兼具靈活性和適應性的獨特組合，帶來崇高的視覺沖擊。這些起伏、變幻的形式構成了藝術家迄今為止最大的作品，貫穿于美術館廣闊的內部空間中，它們不僅映射出人類歷史的深遠，還喚起了自然界的原始力量。

“艾爾·阿納祖：紅月之后”第一幕《浪》

“艾爾·阿納祖：紅月之后”中的三幕分別為：《浪》、《世界》和《墻》。其中《浪》專為浦東美術館的特定場域重新設計，呼應著美術館的濱水建筑及其處于黃浦江優雅彎角的地理位置。新構思的靈感源自阿納祖所用材料的海上之旅——從加納到英國，再到中國，回應著繁忙的港口文化。第二件雕塑《世界》由多層構成，似乎暗示了一組松散的人類形象。

“艾爾·阿納祖：紅月之后”第三幕《墻》

在阿納祖的《墻》中，一面巨大的黑色編織物從地面直沖天頂。底部堆積成池的金屬向上涌起，宛如翻騰的海浪和巖石的峰頂。在這面黑墻的背后，一座覆蓋著多彩馬賽克的閃閃發光的銀色建筑展現于眼前。當黑色與色彩斑斕的線條與波浪相遇，全球各種文化的碰撞和身份混合的主題在此回響，這也是阿納祖希望觀眾通過整個裝置作品去思考的議題。（文/黃松）

上海｜藝術家周嘯虎

《無盡相》中的“顏料地理學”

9月26日，周嘯虎最新個展《無盡相》在上海浦東碧云美術館舉行?！盁o盡相”典出《維摩詰所說經?不二法門》，象征著顏料的物性循環與其精神層面的無盡性，也契合著其過往作品對社會眾生相以及永續、“控制鏈”等議題的長期關注。

周嘯虎在展覽現場

作為由周嘯虎發起的持續性項目“顏料地理學”的首次階段性個展，藝術家以朱砂與青金石為切入點，不禁令人回溯至新疆克孜爾與敦煌的佛教石窟壁畫，那幾乎是這兩種古老礦物質顏料在中國境內最早的相會，這也正是展覽名“無盡相”的由來。對于周嘯虎而言，“無盡相”不僅象征著顏料物質的循環與其精神層面的無盡性，也契合了他過往作品中對社會眾生相、永續議題以及埃舍爾悖論空間等的長期關注。該展的作品共囊括三個系列，動畫與裝置《坎離之象》系列、點陣繪畫系列以及早期黏土動畫《詞語鏈》。

《辰砂?丹術&瓦罕走廊》 點陣繪畫+動畫裝置，尺寸可變，2024

新作《坎離之象》系列的主體媒介為黏土定格動畫，兼及動畫復合繪畫、雕塑的綜合媒介裝置?！翱搽x之象”出自《易經》中的兩個卦象——“坎卦”和“離卦”，分別代表了水和火，結合起來形成了陰陽調和、動態平衡的象征。而“朱砂”作為火性物質，象征陽性和生命力。

《坎離之象No.1?辰砂》 黏土定格動畫，雙頻, 4K, 6’15”，2024.

周嘯虎是中國視頻動畫的先鋒人物。他1960年生于中國常州，畢業于四川美術學院，現生活工作于上海。自1998年起，周嘯虎開始用計算機進行藝術創作，試驗定格動畫、視頻裝置等。作品自由跨越多種藝術媒介，涉及動畫、視頻裝置、雕塑、繪畫和行動藝術項目等。他也致力于推動綜合藝術的能量劇場，以泛現成品和“自動寫作”作為方法論，拓展藝術疆域和人類學觀察。他的標志性風格是在影像和真實物體間創造出不同的圖像層次，他的作品反映了數字時代中，歷史在其特定細節可能被放大、誤讀和遺漏的情況下是如何被記錄的。此次展覽策展人為陸蕾平，展覽將持續至11月2日。（整理/黃松）

上海｜汪一舟&潘微

以當代藝術表現對東方文化的思考

9月28日，“見山：汪一舟個展”與“遷徙中的書寫——潘微藝術展”在上海寶龍美術館開幕。兩個展覽分別呈現了汪一舟與潘微多年來在藝術上的探索。

汪一舟（左）潘微（右）

汪一舟，1968年出生于江蘇，現居上海。他幼承家學，學習中國書法、中國畫與古代文學，進入大學后主攻油畫專業，目前作品以多種媒介和手段傳達其藝術精神。藝術家用三十多年時間潛心研究中國上古文明和哲學的起源，這引領他以簡單的線條和色彩和人文思想貫徹于作品中。在此次展覽中，汪一舟希望通過不同維度和創作語言探討當代語境下對中國文化以至于廣義的東方文化的深刻思考。

“見山：汪一舟個展”展覽現場

而潘微，則于1990年前往日本留學并從事文化藝術交流活動，在那里，他出于對漢字造型結構的迷戀，使得甲骨鐘鼎、秦磚漢瓦、真草隸篆等各種漢字書體成為其創作之初的基本視覺符號。他對單個漢字進行拆解后，不斷地嘗試用碎片化的部首和筆畫進行重新組合，再開始層層地疊加，書寫到最后的圖式已經疏離和消解了書法的本體，轉而進入了抽象藝術更為寬廣的視覺領域。

“遷徙中的書寫——潘微藝術展”展覽現場

他說，“在書寫的過程中，我認為可以通過線條來表達復雜而豐富的思想感情，用抽象的形式，把時間、空間的觀念綜合表現為一種抽象的精神。其實書寫動作的每一筆都是很抽象的，粗細、快慢、疏密、頓挫，會產生出一種特殊的節奏，流露出對抽象視覺語言的表現和深化，進而傳遞出一種自身的由內而外的狀態。”。