7月15日，“莫奈、梵高與現代主義大師——意大利國家現當代美術館真跡展”在遇見博物館·北京798館舉行了開幕儀式。展覽匯聚了莫奈、梵高、莫迪里阿尼、米羅等36位現代主義藝術家的47件作品，展品時間跨度從19世紀60年代至20世紀70年代，從印象的巴黎到抽象的紐約，展現100年來的西方藝術發展之路。

展覽中，梵高作品《阿爾勒婦女（吉努夫人的肖像）》

據悉，本次展覽的作品全部來自“意大利國家現當代美術館”，該館成立于1883年，位于羅馬，是意大利收藏現代藝術作品最豐富的美術館，擁有包括油畫、素描、雕塑和裝置在內的上萬件作品。

再談“現代主義藝術”

展覽所呈現的作品來自于36位現代主義藝術家，包括印象派畫家莫奈、后印象派畫家梵高以及立體主義畫派的羅杰·德拉·弗雷斯納耶、“超現實主義”畫派的代表馬塞爾·杜尚、紐約新潮的代表、抽象表現主義畫家杰克遜·波洛克。還有意大利藝術家泰萊馬科·西尼奧里尼、賈科莫·巴拉、喬治·德·基里科、盧齊歐·封塔納、翁貝托·薄邱尼——他們皆因獨特而突出的藝術風格而被記住。

展覽現場

對于“現代主義藝術”的定義至今眾說紛紜，傳統上說“現代藝術”是指大約在1860年至1970年間制作的作品。

在展覽前舉辦的分享會中，中央美術學院人文學院副教授張晨認為：“現代藝術就是為了追求藝術的獨立而創造的藝術。什么是為藝術而藝術？我們可以從兩方面理解：第一是要追求藝術的獨立，第二是要追求藝術家的獨立。現代主義也并不只是我們簡單的理解中，從寫實走向抽象，像封塔納、杜尚這樣的藝術家，他們在這百年間創造了很多不一樣的東西，釋放了許多的可能性。從這個角度來講，現代主義到現在也沒有終結，我們今天仍舊要呼喚新的東西，呼喚原創，這仍是現代主義精神對我們持續的影響。”

中央美術學院人文學院副教授張晨在沙龍中重點介紹了《空間概念——等待》，“封塔納那件《空間概念——等待》的作品非常有意義，當現代主義的藝術循著這樣一種追求形式的邏輯走向畫布本身，走向藝術本身的時候，藝術家可以用一個小刀把畫布劃開，打開二維畫布平面的邊界，可以讓藝術從畫布中解放出來拓展到更豐富的現實的世界。”

封塔納，《空間概念——等待》

中央美術學院人文學院博士王春苑談道，藝術學理論里有一個詞叫“靈韻”，我們長期以來面對的都是復制品，它的色彩是被處理過的、平面化的，我們只有在原作面前，才能夠感受到為什么現代主義的莫奈、梵高這些大師會對整個藝術史產生如此深遠的影響。“現代主義的這些大師從歷史的大潮中被挑選出來，是因為他們的創新性和一身桀驁的才氣，經歷了這么多的歷史的風霜至今仍然屹立在我們面前，讓我們感受到他們背后的一種精神力，這是現代主義對整個現代藝術史發展有所啟示的地方。”

中央美術學院教授、遇見博物館館長王春辰認為，本次展覽的目的是在啟發我們怎么進行人與外部世界的交流。“什么叫交流？我可以用畫布、畫紙、物品去創作，看展覽要有一種沖動，看完之后就想回家也做點兒什么，這就是最大的意義。藝術是一個開放的世界，意味著你只要想去表達，你想去做一件事情，甚至你認為它是藝術它就是藝術了。”

以現實主義的視角展現日常生活的方方面面

以“現代性”為名，各種流派的藝術家都在進行實驗與顛覆，他們在藝術的概念、構圖、技術、工具和材料方面進行了創新。他們不斷打破藝術的規則，拓展了藝術表達的無限可能性。

現代主義的創作中細分為各種流派，《現代藝術150年》一書中寫道：“在此期間，藝術改變了世界，世界也改變了藝術。每一次運動，每一個‘主義’，都彼此糾纏在一起，像鏈子那樣一環套一環。不過，它們都有各自獨立的道路、迥異的風格以及創造藝術的方法，這些都是方方面面影響的結果，包括藝術的、政治的、社會的、科技的。”

在“莫奈、梵高與現代主義大師——意大利國家現當代美術館真跡展”中，也大致按照時間的前后，但主要是將不同的藝術情境與形式、現代藝術派系并置，從每一種現代藝術的派別中選擇幾件代表性的作品來進行呈現。

進入現代主義之前，展覽先介紹了十九世紀歐洲的社會圖景及藝術創作。

十九世紀是歐洲發生深刻社會變化和技術革新的時期，工業革命的推進和城市化的發展使得歐洲的經濟格局發生了巨大的變化。隨著宗教和歷史繪畫的衰落，在經歷了浪漫主義的洗禮后，藝術家們感到有必要回歸對日常生活的描繪，開始提倡描繪發生在身邊的現代生活場景。

這一時期，“風俗畫”開始嶄露頭角，以現實主義的視角展現日常生活的方方面面——工作、娛樂社交活動，和街頭環境成為反復出現的主題。從斑痕畫派開始，藝術家們不再憑借想象與記憶作畫，而是帶著畫架走出畫室，嘗試戶外寫生，將直接觀察轉化到畫面上。

斑痕畫派藝術家烏爾維·利吉作品

伊格納西奧·祖洛加（Ignacio Zuloaga）出生在西班牙，其藝術創作之路起于意大利、法國。他在成名以后回到西班牙馬德里，在普拉多博物館研究西班牙藝術，影響他最深刻的是西班牙藝術大師戈雅。他的一件《艾琳》中，用肆意揮灑的色彩來塑造女性的面貌，人物面部非常規的肌理是很罕見的。

伊格納西奧·祖洛加《艾琳》（局部）

作為未來主義畫派杰出的藝術家，賈科莫·巴拉先是以學院式繪畫嶄露頭角，隨后在巴黎短暫逗留，在接觸到印象派、新印象派的創作方法后，他開始專注光與顏色的表達。《戶外肖像》便是巴拉這一時期的作品，在畫面色彩和筆觸處理上，可以明顯感受到修拉點彩畫的風格。而巴拉早期對點彩分色原理的運用也為其后期在未來主義運動中的大放異彩奠定了基礎。

賈科莫·巴拉《戶外肖像》（局部）

十九世紀，中產階級作為新興的社會階層崛起，他們通過經濟手段獲得了政治地位，并且成為了時尚和文化的主導者。

米歇爾·卡馬拉諾的《威尼斯圣馬可廣場》描繪的是意大利最古老的咖啡館之一弗洛里安咖啡館，咖啡館距今已有三百多年的歷史，其內部的裝修富麗堂皇而不失藝術性。歌德、狄更斯、馬塞爾·普魯斯特、莫迪里阿尼等文化藝術領域的名人都曾聚集在此。19世紀末，時任威尼斯市長的里卡多·塞瓦提可與友人在咖啡館中商討在威尼斯發起世界藝術、建筑盛會這里所提到的盛會正是日后大家所熟知的威尼斯雙年展。

這幅畫中沒有宏大的敘事，卡拉馬諾聚焦于威尼斯人的日常生活景象，通過對近處人物動作的勾勒以及面部表情的捕捉，采用舞臺美術般的構圖方式，由近及遠，由亮到暗，把19世紀初威尼斯居民的夜生活展現在我們面前。這也體現了現實主義繪畫風格的意義，它重新發現了人的價值。

米歇爾·卡馬拉諾《威尼斯圣馬可廣場》

由此引出的對于現實主義的討論，現實主義強調的原則是藝術反映現實的社會生活，認為藝術是對現實的一種審美認識、再現和反思，所以作品應該關注現實人生、社會和自然。現實主義贊美自然，歌頌勞動，尤其關注普通勞動者的生活和斗爭：它向工人們以及他們的生活環境致敬，深刻而全面地展現了畫家所處時代的人文精神和思想。這一流派的興起與當時社會中科學和工業的發展互相吻合。

泰萊馬科·西尼奧里尼《佛羅倫薩猶太人區》

畫布上傳達自我情感與精神體驗

藝術家們通過創作呈現著他們對外部世界的感知，這些感知在不同的工具和題材下，以不同的方式與觀者產生了深刻的互動。

19世紀的藝術家們對忠實描繪外部現實失去了興趣，而是努力超越形式上的要求，在畫布上傳達自我情感與精神體驗。對他們而言，世界不再是所見即所得，而是靈魂感知的結果。

其中，風景繪畫逐漸從寫實風格轉變為對生活中自然體驗的情感轉述，寧靜，靜的自然景觀轉達了藝術家身處日常之中體會到的親密情感以及內在的朦朧情緒，這些在莫奈的《粉色睡蓮》中有細膩的呈現：表現主義繪畫則用奔放的形狀和強烈的色彩，將感知逐漸過渡到張力十足、熱情洋溢且色彩斑斕的鄉間風情。到了19世紀末、20世紀初，諸如象征主義和形而上畫派的藝術運動又試圖將超越物質世界的符號與象征，嵌入到具體的情境中，以此來傳達直覺性想象——如基里柯的《赫克托耳與安德洛瑪刻》，這種高度幻覺性的藝術作品給觀眾帶來了特別的藝術體驗。

基里柯，《赫克托耳與安德洛瑪刻》

在肖像畫領域，如梵高的《阿爾勒婦女(吉努夫人肖像)》、莫迪里阿尼的《側臥的裸女》，更是以優美線條和濃郁色塊，展現藝術家與人物之間的關系:未來主義藝術家薄邱尼的藝術理念受到法國哲學家亨利·柏格森思想的強烈影響，他的作品注重直覺的傳達，以強烈的節奏感和秩序感，通過直覺在外部場景與內在情感之間構成了緊密相連的紐帶。

莫奈是法國畫家，也是印象派最重要的代表人物，他一生中留下了兩千多幅油畫作品。其中，《睡蓮》系列是最具代表性的畫作，他將水中光影以及色彩的美發揮到了極致。展覽中的一件《粉色睡蓮》是睡蓮主題組畫中較早期的作品，畫家的注意力放在局部小景，美麗的睡蓮一片片向湖面擴展，形體消融在彌漫著霧氣的倒影之中，畫面朦朧而富有詩意。

莫奈，《粉色睡蓮》

梵高是荷蘭后印象派畫家，表現主義的先驅，他深深影響了20世紀的藝術。他一生受盡苦難卻從未向命運屈服，如同一位孤獨的傳教士在色彩的世界里朝圣。從梵高的作品中，我們可以感受到對自然與生命的熱愛，而他的故事至今仍在不斷影響和激發無數創作者的靈感。

《阿爾勒婦女（吉努夫人的肖像）》的畫中之人是梵高當年的房東吉努夫人，梵高以其為原型創作了六張作品，這是他生命結束前的最后一批組畫，現在正在展出的是其中一件參考高更粉彩畫繪制的，梵高曾在信中多次提及這系列作品，同系列其余畫作分別被奧賽博物館、大都會藝術博物館等機構收藏。

展覽現場，梵高《阿爾勒婦女（吉努夫人的肖像）》（局部）

莫迪里阿尼是意大利杰出的藝術家。在他身上，既有意大利藝術傳統的烙印，又有巴黎畫派的前衛精神，其創作的裸女形象是藝術史中最為經典的藝術符號之一。《側臥的裸女》是莫迪里阿尼最具代表性的作品之一。經典的姿勢與歐洲古典繪畫中的女神遙相呼應，抹去了瞳孔的深邃眼眸，既是對原始藝術的學習，又是這位“巴黎才子”對自己內心深處寂寞與憂傷的表現。

莫迪里阿尼《側臥的裸女》

純粹的線條、色彩和體積

19世紀，架上繪畫迎來了一次危機。一項現代發明: 攝影，作為開辟肖像畫新場景的工具對人物形象進行了一系列超現實主義探索。藝術家們也開始更深入地思考，如何用畫筆呈現“形象”之下的真實。新印象主義和表現主義藝術家們開始對肖像畫中的色彩表達和人物內心狀態進行分析與解構，形而上學畫派將繪畫從具象中抽離出來，進入內在的思想迷宮，對符號世界進行反思——西羅尼·基里柯等藝術家使用簡單的筆觸，以米色、灰色和黑色等陰郁的色調來傳達20世紀社會向現代化轉變所帶來的動蕩與藝術家內心復雜的情感。

與此同時，達達藝術運動開始關注日常物品，并將它們轉變為藝術作品——杜尚的現成品是過去百年內最為前衛的創造。這一轉變完全依賴于藝術家的意愿，作品中充滿了諷刺性、挑釁性和思辨性。在作品《帽架》中，杜尚完成了對帽架這一“形象”的情境化處理，當呈現的空間變化后，原本的主題和視角也隨之而改變，器物的功能性含義在新的語境下轉換成“章魚”形象。

杜尚《帽架》

作為“形象”的人物肖像、日常物件、審美符號，在不同流派的藝術作品中不再是對外在“形象”的臨摹和復制，而是不同情境下，藝術家們對它們真實的感知與思考。

雷納托·古圖索《自畫像》

賈科莫·巴拉《粉紅面紗》

二十世紀早期，歐洲繪畫藝術出現了一種全新的描繪方式，區別于之前現實主義的具象化創作，轉而以純粹的線條、色彩和體積塊填充畫布，讓畫面的構圖充滿幾何圖形的靈感。

在這樣一場革命性的藝術運動之前，歐洲整體的社會環境和科學觀念也在發生著巨大的變化。在物理學界，愛因斯坦推翻了已成定論的物理學法則；一些科學家提出了關于人類在宇宙中位置的問題弗洛伊德開始從心理和精神層面研究人類的認知和思維活動；馬克思掀起的政治革命也成為社會中一股影響力巨大的力量。在這種以全新視角探索人類社會的風潮之下，歐洲藝術也開始用一種不同的繪畫空間取代傳統的透視法，試圖傳達藝術家們眼中的世界。

立體主義、未來主義和抽象主義便是沿著這一方向發展的幾股藝術潮流：它們將畫面中的色塊分解成多個菱形、三角形、平行四邊形等平面幾何形狀，以不同的明暗秩序層層堆疊、縱橫交錯，制造出陰影的效果，從而產生強烈的空間感。而其中具體的形象，諸如人物、物件、自然環境等則被高度抽象化，變得難以辨認。

杰拉爾多·多托里《飛光奇境》

雖然幾何與抽象成了藝術的新寵兒，但它們所用的變形仍舊或多或少與具象表達相關——例如，在一戰后，未來主義主張摒棄過去，展望未來，擁護機器與高速生產，宣揚著建設新世界的夢想。該流派的作品中常常出現生產工業化和新城市化社會，以表達現代生活的緊張節奏。藝術家們用色和形為基礎的抽象符號，表現高空視角，突出對運動、速度和力量的處理，呈現出強烈的節奏和動感。

皮耶羅·多拉齊奧《釋放，在感知的時刻》

展覽將持續至10月22日