今天是三八婦女節。在藝術史上，女性藝術家為了獲得話語權與平等地位進行了漫長的斗爭。這一過程仍在繼續，但是近年來，女性藝術家的創作正在受到越來越多的關注。恰逢三八婦女節，《澎湃新聞·藝術評論》整理了2021年到2022年，女性藝術家在世界各大重要美術館與博物館中舉行的展覽。

其中，有布爾喬亞、妮基·桑法勒、歐姬芙等在世時已經有所名氣的藝術家，更多的是大器晚成、甚至在世時因為種種原因而鮮為人知的名字，如今年2月剛剛去世的107歲古巴藝術家卡門·埃雷拉，以及去世后40多年才被發現的抽象藝術最早的創作者之一希爾瑪·阿芙·克林特。

激進的女性藝術小組“游擊隊女孩”(Guerilla Girls)曾在1985年時提出：“去年究竟有多少女性在紐約市的各大博物館舉辦了個展?答案是，MoMA只有一位，而古根海姆、大都會和惠特尼則為零。”

游擊隊女孩 《去年有多少女性藝術家在紐約的美術館舉辦個展？》, How Many Women had One Person Exhibitions at NYC Museums Last Year ? , 1985

近40年后，這一現象無疑有所改變。近年來，全球藝術界確實更多地將目光聚焦到女性藝術家和女性藝術創作上。女性藝術家在美術館和畫廊等藝術機構的曝光愈加頻繁，據2020年3月6日公布的一份環球藝術市場報告中統計：“2019年，在藝術二級市場上，女性藏家的份額達36%，在畫廊中，展出的女性藝術家數量占總展出藝術家總數的44%。”而在過去的2021年，據環球藝術市場報告的統計，女性藝術家在美術館和畫廊展出總數量已經上升了2個百分點。

在今年的威尼斯國際藝術雙年展上，塞西莉亞·阿萊瑪尼（Cecilia Alemani）成為這一雙年展歷史上第5位女性總策展人。同時，在127年的歷史中，此次雙年展首次包括大多數女性和多樣性別的藝術家，在參展的213位藝術家中，僅有21位是男性。這個選擇反映了一個充滿創造性醞釀的國際藝術場景，也反映了“對男性在藝術史和當代文化史上中心地位的深思熟慮的重新思考”。參展的女性藝術家包括芭芭拉·克魯格（Barbara Kruger）、南·戈爾丁（Nan Goldin）、露易絲·奈弗遜（Louise Nevelson）、露絲·阿澤（Ruth Asawa），還有首位代表美國參加其國家館的黑人女性藝術家西蒙·利（Simone Leigh）。“這個展覽發生在意大利，而不是在紐約，性別方面的情況是不同的，”阿萊瑪尼指出，“我意識到，展覽不會改變什么，但它可以具有象征價值。如果回溯威尼斯雙年展127年的歷史，女性藝術家參與的比例非常低，我想給過去被壓制的聲音留下空間。”

而在過去的2021年和已經開始的2022年中，也有不少重要的女性藝術家作品在全球各大美術館中展出。這些展覽在一定程度上回應了1985年“游擊隊女孩”提出的問題——如今，越來越多的大型的美術館和博物館，開始系統地研究和關注女性藝術家的創作。

卡門·埃雷拉

卡門·埃雷拉（Carmen Herrera）

今年2月，107歲的古巴藝術家卡門·埃雷拉（Carmen Herrera）在自己家中去世。在她去世之前，埃雷拉最著名的身份便是“在世最年長的女性藝術家”。

埃雷拉把自己繪畫中的直線和簡潔的形式感歸功于大學時期學習建筑的經歷。她從上世紀40年代開始進行藝術創作探索，到了50年代，埃雷拉開始在紐約接受系統的藝術訓練。在巴黎逗留的幾年中，她深入了解了馬列維奇和蒙德里安，以及他們那大膽的顏色和幾何形狀構。在前人成熟風格的影響下，埃雷拉開始了她長達70年的幾何繪畫創作。雖然埃雷拉的丈夫一直支持著她的繪畫創作，但畫廊的經銷商們卻一直拒絕她參加展覽。

《藍和白線》（Carmen Herrera Blue with White Line）卡門·埃雷拉 1964

埃雷拉完全投身繪畫事業60余年后，在她89歲高齡時才被發掘。2004年埃雷拉終于賣出了自己的第一幅作品。同年年底，紐約現代藝術博物館收藏了她的幾幅作品。之后著名的利森畫廊(Lisson Gallery)選擇了埃雷拉，2017年，惠特尼美術館為埃雷拉舉辦了名為“卡門·埃雷拉：視線”的大型回顧展。

《橙與紅》（Orange & Red）卡門·埃雷拉 1989

當這位具有強烈個人藝術特色的百歲老人逐漸為世人所知之后，很多人都在討論她早年“懷才不遇”的話題，但埃雷拉自己卻認為這是一件十分趣味性的事，而且這也是在恰好的時間，在恰當的地方產生的，她更相信這是命運的安排，而不是她刻意而為之的。

《黑與白》（Black and White） 卡門·埃雷拉 1987

2020年10月21日至2021年4月25日，休斯敦美術館（Museum of Fine Arts）為卡門·埃雷拉舉辦了大規模的個人回顧展——“卡門·埃雷拉：構建平面”（Carmen Herrera: Structuring Surfaces）。 2021年，埃雷拉的雕塑《綠色結構》（(Estructura Verde）在洛杉磯郡立藝術博物館選的近期繪畫為位于東岸的空間揭幕。今年2月，埃雷拉的雕塑《綠色結構》(Estructura Verde) 剛剛在洛杉磯郡立藝術博物館結束展覽。

《Blanco y Verde》 卡門·埃雷拉 1959

妮基·桑法勒 

妮基·桑法勒（Niki de Saint Phalle）

2021年3月11日至2021年9月6日，MoMA為法裔美國女藝術家妮基·桑法勒（Niki de Saint Phalle）舉辦了大型的回顧展，共展出超過100件妮基創作的不同類型的作品，包括繪畫、雕塑、建筑手稿與模型等等，展現她對社會與政治問題的關注，回顧她的創作發展歷程。

圣法勒 《塔羅花園》（Tarot Garden），Niki de Saint Phalle

圣法勒 《塔羅花園》（Tarot Garden），Niki de Saint Phalle

妮基·桑法勒（1930—2002）出生于法國巴黎，1933年跟隨父母定居美國。成年后才開始學習繪畫，創作風格受到西班牙建筑師高迪的影響。妮基的創作形式涵蓋拼貼、雕塑、版畫、電影等多種媒介，重點關注女權、氣候、艾滋病等具有社會性議題。1986年，她在德國留學期間創作并出版了插畫書《握手不會感染艾滋病》，致力于減輕社會對艾滋病的誤解與歧視。

桑法勒 《握手不會感染艾滋病》書籍封面，Niki de Saint Phalle，1986年

本次回顧展的亮點之一，是妮基·桑法勒創作的大型戶外雕塑作品“塔羅花園”（Tarot Garden），這組作品由超過15件大型雕塑組成，歷時20年制作完成，同時還展出了與“塔羅花園”相關的攝影作品、手稿、繪畫以及雕塑模型，以此呈現妮基創作的豐富性過程。

圣法勒 《如今知曉的事物曾經只是想象》（What is now known was once only imagined），Niki de Saint Phalle，1979年

圣法勒 《塔羅花園》（Tarot Garden），Niki de Saint Phalle

愛麗絲·尼爾

愛麗絲·尼爾（Alice Neel）

2021年3月22日至8月1日，愛麗絲·尼爾（Alice Neel, 1900—1984）的大型回顧展“以人為先”（People Come First）在紐約大都會藝術博物館開幕，這是尼爾二十年來在紐約最大型的回顧展。

愛麗絲·尼爾（Alice Neel） 《第九大道車站》，1935年 布面油畫 61 x 76.2 厘米

尼爾長年居于紐約，這座城市成為了她最忠誠的創作主題。她全部作品都記錄著紐約街道上的生活鬧劇和建筑的平凡之美，并通過繪畫展現出這座城市的多元、堅韌和對外來者的熱情包容等。

愛麗絲·尼爾（Alice Neel） 《杰弗里·亨德里克斯和布萊恩》，1978年 布面油畫 111.8 x 86.4 厘米

愛麗絲·尼爾（Alice Neel） 《母親與孩子（南希和奧利維亞）》，1982年 彩色石板印刷 66 x 61 厘米

“以人為先”將尼爾視為二十世紀歷史上最重要、最激進的畫家之一。在這次展覽中，大都會博物館本展出了近百件尼爾的繪畫作品：反對法西斯主義和種族歧視的社會圖像，描繪大蕭條時期受難者的肖像相映一堂；從藝術家在紐約哈林區的鄰居、政治領導人，到酷兒藝術家、雜居紐約的外地人，尼爾的繪畫是社會的群像。是次展覽也強調了尼爾從1930年而來的水彩與油畫情色創作。她對“母親”這一命題的描繪，和她筆下的裸體人像（包括明顯懷孕的裸體形態），其中的坦誠與反叛是西方藝術史上前所未有的。

愛麗絲·尼爾（Alice Neel） 《西班牙家庭》，1943年 布面油畫 86.4 x 71.1 厘米

而在2022年秋季，巴黎蓬皮杜藝術中心還將為尼爾舉辦另一場大型回顧展“投注的目光”（Un regard engagé）。

愛麗絲·尼爾（Alice Neel） 《在108街的多米尼克男孩》，1955年 布面油畫 106.4 x 121.9 厘米

喬治亞·歐姬芙 

喬治亞·歐姬芙（Georgia O'Keeffe，1887—1986）

喬治亞·歐姬芙（Georgia O'Keeffe，1887-1986）是美國近代畫女性大師，被稱評論界成為“美國現代藝術之母”，她的光環遠超過了其它同年代的畫家。

喬治亞·歐姬芙 1936年作品《紅色山崗和白云》（red hills with pedernal white clouds）

2021年4月20日至8月8日，蒂森·博爾內米薩博物館舉辦了喬治亞·歐姬芙在西班牙的第一次大型回顧展。通過約90件作品不同時期的作品，較為全面地展示了歐姬芙的職業藝術生涯。

喬治亞·歐姬芙 1921年作品《藍色和綠色的音樂》（Blue and Green Music）

喬治亞·歐姬芙 1926年作品《黑色鳶尾花》（Black iris III），現藏于美國紐約大都會美術館

在歐姬芙一生的創作中，最著名的是她筆下的花卉系列作品。首批花卉系列作品在1925年于紐約展出時，將歐姬芙推到繪畫生涯中的第一個高峰，也奠定她作為1920年代美國代表性畫家的地位。這期間的代表作《曼陀羅草，白花No.1》，后來曾在2014年紐約蘇富比的拍賣上以4440萬美元（約合2.89億元人民幣）成交，成為拍賣場上女性藝術家價格最高的作品。

喬治亞·歐姬芙 1928年作品《兩只粉紅色的浪漫海芋》（Two Calla Lillies on Pink）

歐姬芙筆下的花們從來不含苞欲放，故作姿態，而是在靜默中全然地綻放。她簡單而大膽的構圖，往往比一般描述詳細的畫作更能吸引人的注意，其不同顏色的花的細部顯得精妙流暢，收放自如，尤其是紅色和黃色的互補顯得熱烈而富有生機。

喬治亞·歐姬芙 1939年作品《木槿花與緬梔花》（Hibiscus with Plumeria）

喬治亞·歐姬芙創作于1932年的《曼陀羅/白花一號》（Jimson Weed/White Flower No 1）

希爾瑪·阿芙·克林特 

希爾瑪·阿芙·克林特（Hilma af Klint）

瑞典籍藝術家希爾瑪·阿芙·克林特（Hilma af Klint，1862—1944）是當代藝術界最早創作抽象藝術的畫家之一，部分作品的創作時間早于俄羅斯畫家康定斯基、馬列維奇和荷蘭畫家皮特·蒙德里安等抽象藝術的初期代表藝術家。她的藝術創作受到唯心主義、通神說、人智學的影響，作品主要建立在精神意識上，融合了幾何圖形和裝飾性符號，代表作品包括與靈修團體“The Five”合作完成的實驗性繪畫、“神殿”系列（1906-1915）、“The Ten Largest”系列等。

希爾瑪·阿芙·克林特作品

作為一個深入研究唯心論、科學新發展和自然世界的藝術家。在此之前，沒有人創作過像她這樣的畫作：如此巨大的規模，如此耀眼的色彩組合，如此神秘的符號和超凡脫俗的形狀。在一個女性創作自由有限的時代，她的繪畫成為她非凡智慧、精神追求和開創性藝術視野的宣泄出口。1944年，克林特去世時共留下超過1300幅畫作和約2.6萬頁筆記。她在遺囑中寫道，考慮到自己的作品可能無法被當時的人們所理解，因此希望至少在數十年內不要公開她的畫作。

希爾瑪·阿芙·克林特作品

希爾瑪·阿芙·克林特作品

直到1986年，即在她去世40多年后，克林特的作品才第一次公諸于世。首先是洛杉磯縣藝術博物館(Los Angeles County Museum of Art)在一次群展中展示了她的畫作，從那之后，她充滿女性符號和絢麗色彩的靈性作品便不斷吸引著一批又一批的擁躉。2019年在紐約古根海姆美術館(Guggenheim)展出的“希爾瑪·阿夫·克林特：未來畫作”(Hilma af Klint: Paintings for the Future)吸引了超過60萬名觀眾，成為該館60年歷史上參觀人數最多的展覽。

希爾瑪·阿芙·克林特作品

2021年6月12日至9月19日，“希爾瑪·阿夫·克林特：秘密畫作”(Hilma af Klint: The Secret Paintings）在新南威爾士美術館（Art Gallery of New South Wales）展出，呈現了藝術家的核心系列畫作、早期實驗性繪畫、大量抽象水彩畫，以及她的筆記本等，帶領參觀者了解這位20世紀瑞典抽象藝術的先鋒人物。這也是亞太地區首次為希爾瑪·阿夫·克林特舉辦個展。

Hilma af Klint Group IX/UW, The Dove No. 2,1915

Hilma af Klint The Ten Largest, Group IV, No. 5, Adulthood,1907

瓊·米切爾 

瓊·米切爾（Joan Mitchell，1925年2月12日—1992年10月30日）在她40多年的職業生涯中建立了獨特的視覺詞匯，她是美國“第二代”抽象表現主義畫家和版畫家，她對傳統圖形與背景的關系，以及對色彩聯覺的運用進行了極具創造力的全新演繹，使得她在同輩的藝術家中獨樹一幟。

《藍莓》瓊·米切爾 1969

《無題》瓊·米切爾  201cm × 186cm 1971

在米切爾的畫作中，常常伴隨著詩性的啟示，那是一種不可重復的瞬間的記憶，不論是風景還是靜物，都以抽象的形式消融在了她那有強力的涂繪中，仿佛圖像是從她的身體里抽出的，并被完全轉化成一種純粹的感受性書寫與思辨。

米切爾作品中直觀的結構和充滿情感的構圖不斷地喚起個人、觀察、地點和時間點地聯想。她作品中常展現與樹木、花朵和水有關的元素。

《無題》 1959年 瓊·米切爾  來源 Lévy Gorvy畫廊

2021 年 9 月 4 日至 2022 年 1 月 17 日，美國舊金山現代藝術博物館舉辦了瓊·米切爾的大型回顧展，共展出80多件米切爾創作的代表作品。其中包括大量罕見的早期繪畫和素描，這些繪畫和素描奠定了米切爾的職業生涯；以及她晚年的大尺幅繪畫等，同時也展出了精選的藝術家信件和照片等文獻資料，為了解米切爾極具影響力和突破性的創作實踐打開了一扇新的窗口。

《無題》 1959年 瓊·米切爾 油彩 1965

《Parasol》 瓊·米切爾 

路易絲·布爾喬亞

2022年2月9日至5月15日，路易絲·布爾喬亞（Louise Bourgeois）的展覽"編織的孩子"（The Woven Child）在倫敦海沃德美術館（Hayward Gallery）展出。展覽呈現了藝術家用不同類型的紡織品制作的多件紡織作品，也是她藝術生涯最后二十年的相關創作脈絡的展現，包含床單、手帕、掛毯等織品，傳遞藝術家對于身份、創傷、記憶等主題的一貫核心。

路易絲·布爾喬亞，《蜘蛛》，1997年

路易絲·布爾喬亞（Louise Bourgeois）1911年生于法國巴黎，25歲時開始專注于藝術創作，她以接近于超現實主義的方式進行繪畫和版畫創作，后來又開始嘗試雕塑。布爾喬亞創造力的真正爆發還是在70歲以后。她大膽嘗試橡膠、石膏等新材料，并恰到好處地將行為、裝置等形式融入自己的藝術。

路易絲·布爾喬亞《Cell》系列

布爾喬亞的市場在1982年她的首個MoMA回顧展之后，才迎來了真正的起飛，使布爾喬亞可以開始創作她標志性的大型青銅雕塑，如大型的蜘蛛雕塑等。一般人對布爾喬亞印象最深的記憶，莫過于她那大型蜘蛛，布爾喬亞說她最好的朋友是她母親，母親就像蜘蛛一樣聰明，耐心，靈巧，她也懂得保護自己。她從母親身上抓取一些特質，然后創作大蜘蛛。

“細胞”和“蜘蛛”，路易斯·布爾喬亞

路易絲·布爾喬亞作品

很少有人到90歲時，還能像波爾喬亞一樣保持如此旺盛的創造力，在雕塑、繪畫、寫作等方面均有建樹。她自己寫了這樣一句話:"人越老越聰明"。2010年5月31日在她居住的紐約曼哈頓因心臟病去世，享年98歲。

路易絲·布爾喬亞 作品

瑪琳·杜馬斯

瑪琳·杜馬斯（Marlene Dumas）

2022年3月27日，位于意大利威尼斯的格拉西宮（Palazzo Grassi）將為瑪琳·杜馬斯（Marlene Dumas）舉辦大型的個人專題展覽，作為專門為當代重要的藝術家舉辦的專題展覽的一部分，該系列展覽最初于2012年啟動，與皮諾收藏專題展覽交替進行。

瑪琳·杜馬斯作品

展覽名為 “open-end”，由卡羅琳·布爾喬亞與瑪琳·杜馬合作策劃。展覽將匯集杜馬斯創作的100多件作品，并專注于她的整個創作脈絡的梳理，除了1984年至今創作的重要的架上繪畫作品之外，還將展出藝術家近期創作的多件架上作品，及素描和草圖文獻等。

瑪琳·杜馬斯作品

瑪琳·杜馬斯（Marlene Dumas）被認為是當代藝術界最具影響力的藝術家之一。她1953年出生于南非開普敦。在殘酷的種族隔離制度下長大并學習美術。1976年，杜馬斯來到歐洲學習深造，并在阿姆斯特丹定居，至今仍在那里生活和工作。

瑪琳·杜馬斯作品

杜馬斯經常會用女性、兒童或者嬰兒作為她的作品的對象，女性之美與藝術則是她的作品中永恒的主題。杜馬斯早期的作品，常常將剪切過的圖片和文字粗糙地拼貼在一起，探索影像與拼貼畫及文字之間的關系。1984年，她從概念研究轉向傳統人物畫的創作。從此，杜馬斯真正開始了她多產的職業創作生涯，并創作出著名的肖像、裸體油畫和水彩畫等系列作品。曾有評論稱，杜馬斯的作品是將色情的愉悅與概念主義批判相結合的產物。

瑪琳·杜馬斯作品

作為最著名的當代女性藝術家之一，杜馬斯不是簡單地描畫生活，而是將繪畫作為自己研究歷史的方式。她經常用女性、兒童或者嬰兒、有色人種及性欲的場景作為描繪對象，繪畫語言也極具個人特色，包括粗重的線條、中性的色彩、極少的修飾等，并以此來破壞圖像基本的敘事功能，剝下圖像美好的外衣，挑起了人們的困惑和恐懼，從而凸現了一種自我的符號性。

瑪琳·杜馬斯作品

杜馬斯的作品主題形象很多來源于自己拍攝的照片或新聞圖片等，她曾說：“我是一個使用二手圖像和第一手情感的藝術家。”但她始終認為，攝影只是畫家的一種輔助手段。所以在她的作品中人們不會看到孤獨冷漠的模特，看到的是一張張扭曲變形、充滿深意的面孔。她用影像復制出現實世界的表象，其最終指向的卻是人們的內心世界。

蘇菲·陶柏-阿爾普

2021年的11月至2022年3月，一場名為“蘇菲·陶柏-阿爾普：有生命的抽象”（Sophie Taeuber-Arp：Living Abstraction）的展覽在紐約現代藝術博物館拉開帷幕。蘇菲·陶柏-阿爾普（Sophie Taeuber-Arp，1889-1943），這位被印在瑞士紙幣上的神秘藝術家，一度被丈夫的光環所掩蓋，如今重新出現在大眾面前，而這一次，她僅僅是作為自己的蘇菲·陶柏-阿爾普。

蘇菲·陶柏-阿爾普（Sophie Taeuber-Arp） ，瑞士，1925年8月

陶柏- 阿爾普是蘇黎世達達宣言（Zurich Dada Manifesto）的簽署人之一，伴隨著對烏托邦的渴望、沖動與承諾，她將達達的思想運用到廣泛的形式中，她參與編輯雜志、室內設計、制作木偶以及神秘的達達主義物品，同時還創作刺繡、繪畫與雕塑作品，她將傳統工藝與現代主義中的抽象語匯相結合，她的創作打破了藝術類型和形式之間靜態、人為的界限，而這種解放帶來的創造性又成為她慶祝自由的方法；她在實踐中挑戰了藝術和社會中的傳統規范并質疑性別、階級和民族的某些固定觀念；她還探索了藝術與表演的關系，她將達達抽象的思想與舞蹈和木偶相結合，用面具和服裝表達并突出了存在于舞者和舞蹈之間的某種割裂。

蘇菲·陶柏-阿爾普，法國斯特拉斯堡 黎明宮 茶室設計圖稿，1927

1910年，陶柏-阿爾普進入德布希茨美術與應用藝術學校（Debschitz School for Fine and Applied Art）學習，這段學習經歷為她未來的創作奠定了基礎。四年之后，她回到了蘇黎世，開始接觸魯道夫·馮·拉班的藝術運動學派（Rudolf von Laban's School of Art Movement），加上之前紡織設計和立體主義訓練的影響，她開始了繪畫和雕塑的創作以及現代舞的研究。1915年11月，在蘇黎世的坦納畫廊（Galerie Tanner）舉辦的“現代掛毯、刺繡、繪畫和素描”（Modern tapestries, Embroidery,Paintings and Drawings）展覽期間，她第一次見到了讓·阿爾普（Jean Arp，1886-1966）。

第一次世界大戰期間，讓·阿爾普、特里斯坦·扎拉（Tristan Tzara）和馬塞爾·揚科（Marcel Janco）等流亡瑞士蘇黎世的藝術家們在伏爾泰酒店（Cabaret Voltaire）相識，并一起開創了達達主義運動，這群達達主義者們受到戰爭的啟發，用藝術嘲笑、批評了現代世界的荒誕與無意義。1917年，達達畫廊（Galerie Dada）開幕時，陶柏-阿爾普表演了現代主義舞蹈，同一年，兩人相愛了。

蘇菲·陶柏-阿爾普，《斜線與小透明圓的組合》，1916-18，拍攝：Mick Vincenz

陶柏-阿爾普在33歲那年嫁給了讓·阿爾普，根據瑞士的習俗，婚后她用了一個連字符的雙姓，從那時起，她開始使用“阿爾普-陶柏（Arp-Taeuber）”這個名字，到了20世紀30年代，“陶柏- 阿爾普（Taeuber-Arp）”逐漸成為了她的藝名。

第一次世界大戰后，這對夫婦的許多朋友都搬到了巴黎，當時的巴黎是前衛藝術的中心，1928年，他們搬到了巴黎以南約5英里的默東（Meudon），直到1940年，他們一直生活在那里。1942年底，這對夫婦回到蘇黎世，他們計劃前往美國，可是新旅程尚未開始，一場可怕的意外突然降臨了。1943年，因煤氣爐損壞導致的一氧化碳泄漏，陶柏-阿爾普在睡夢中再也沒有醒來。

來不及嘆息，一個如此美奇妙的生命就此戛然而止，更令人惋惜的是在她有生之年，陶柏-阿爾普從未舉辦過個人展覽，她的第一次回顧展于1954年在伯爾尼藝術博物館（Kunstmuseum Bern）舉辦，但在那次展覽中，她豐富的應用藝術實踐幾乎被忽略了。在后世的傳播中，陶柏-阿爾普被廣泛地認知為抽象主義畫家、雕塑家，但這樣的描述卻掩蓋了她貫穿一生的藝術創作的核心，那些被忽視的充滿活力的跨領域的作品。

蘇菲·陶柏-阿爾普，達達頭像，1920

回顧陶柏-阿爾普的藝術創作，不難發現她對20世紀60年代女性主義藝術的影響，隨著女權主義的第二次浪潮，1977年，她的應用藝術和設計作品在瑞士的溫特圖爾（Winterthur, Switzerland）和法國的斯特拉斯堡（Strasbourg, France.）舉行的大型展覽上展出，同年，紐約現代藝術博物館為其舉辦了一個小型展覽，展出的作品包括來自1918年的木偶劇《國王的雄鹿》（King Stag）中的五個牽線木偶，四件紡織品，三幅充滿幻想的服裝設計圖紙，以及三件創作于1928年為法國斯特拉斯堡（Strasbourg）黎明宮（Aubette）設計的建筑空間作品，而在《有生命的抽象》這場展覽中，以上作品再次出現，交疊的歷史空間使觀眾有了更多的遐想。

蘇菲·陶柏-阿爾普 ，《鹿王》中的守衛木偶，1918

2006年與2012年，陶柏-阿爾普的作品曾在紐約現代藝術博物館由莉亞·迪克曼（Leah Dickerman）組織的兩場大型主題展覽“達達”(Dada)和“抽象的發明”(Inventing Abstraction)中得到了突出的展示，那些展覽集中展出了陶柏-阿爾普在1916年至1920年間創作的作品。相比之前的策展重心，“有生命的抽象”旨在全面考察托陶柏-阿爾普的職業生涯，展出的作品包括從她1914年搬到蘇黎世后不久創作的作品，一直到她去世前幾個月在二戰期間創作的作品。尤其在這次展覽中，策展團隊有意排除了讓·阿爾普在她死后創作的被稱為“二人組”（duo-dessin）的繪畫和拼貼畫系列，以及他在二戰后對她作品的各種“再創作”，他們認為這樣做并不是要傳遞“她是孤立地工作，或者她與阿普的合作是不重要的”這類偏頗的想法，而是為了把她放在研究的中心位置，這次展覽的精專之處是貫穿陶柏-阿爾普一生的自定義創作。

“有生命的抽象”展覽現場 拍攝：Jonathan Muzikar

時至今日，陶柏-阿爾普的作品被普遍地認為是現代主義和達達主義故事的一部分，她的藝術既與她的時代相關，也與我們的時代相關，因為她的作品讓人可以用一種更加開放和生產性的方式來思考現代藝術史，與此同時，“有生命的抽象”與身體、應用藝術、建筑空間以及它所處的政治、社會和文化環境相呼應，它們作為一種人類意識的寫照被記錄保存了下來，由此人們也看到了一個穿透時間的陶柏-阿爾普。1922年，陶柏-阿爾普曾寫下這樣一段話：“只有當我們深入自己，完全忠于自己，我們才能成功地創造出有價值的東西，有生命的東西，并以這種方式發展出一種適合我們的新風格。”100年后的這場展覽也許就證明了她對藝術的思考，這一刻，生命進入抽象的永生，陶柏-阿爾普沒有被遺忘。

（本文根據“99藝術網”“藝術與設計”公眾號等相關報道整理）